Entrevistas

Entrevista de Laura Cornadó a Miquel Cazaña: Segunda parte

  • ¿Se nace artista o un artista se crea con el tiempo?

    Las dos cosas.
    Por un lado, creo que nacer en ciertas condiciones puede favorecer el hecho de crear y de ser artista. En mi caso, por ejemplo, mi abuela era una muy buena pintora que, a pesar de las dificultades que tuvo que encarar por el hecho de ser mujer y también a causa de la sordera, consiguió vivir del arte durante una buena parte de su vida. De esta manera, yo tengo unos genes que facilitan que sea artista.
    Por otro lado, hay que ir labrándose con los años, desde joven, facilitando las circunstancias óptimas para que la planta crezca y se haga fuerte, imposible de tumbar. El hecho de crecer como artista implica dedicar muchas horas teniendo el arte como prioridad principal, trabajando en esta dirección sin pretender que todo vendrá sin esfuerzo.

  • Qué es más importante, ¿la técnica o la idea?

    50 – 50 yo diría. A veces tienes una idea brillante pero no la has sabido desarrollar bien, o al revés, tienes una idea regular pero gracias a la técnica queda muy resultona la propuesta. Yo creo que es muy importante ver que tienes un motivo que te ha inspirado profundamente y que por otro lado ves la manera de poderlo desarrollar.

  • ¿Consideras que la creatividad tiene fecha de caducidad?

    No, en absoluto.
    Creo que los que trabajan en aquello que les gusta no piensan cuánto les queda para jubilarse, ya que lo que hacen es su estímulo principal en la vida y, por lo tanto, si el cuerpo les acompaña, se dedican a ello hasta el final.

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    Miquel Cazaña en 2014, en la inauguración de la exposición “Homenaje a la Índia”, en la Fundación Academia de Bellas Artes de Sabadell.
  • ¿Crees que el arte es necesario?

    Por descontado. El arte no solo es necesario sino que es imprescindible.
    Hoy en día vivimos tiempos de bastante violencia y parece que cada uno mira por sí mismo y poco más. Supongo que siempre ha sido así pero ahora parece que cada vez más sea más así (o quizá ahora nos enteramos de todo). Creo que el arte es absolutamente necesario para demostrar que nos pasamos por alto muchos detalles que los artistas mostramos y damos a entender a través de nuestras exposiciones. Por ejemplo, si no fuera porque un artista plasma en un cuadro un árbol, un niño al lado de un río o un rincón de una ciudad de noche, en la mayoría de los casos no nos daríamos cuenta de la enorme belleza que escondía esa situación.
    Así pues, creo que el arte es imprescindible porque nos hacer ver todo aquello que a menudo se nos escapa y que es la esencia de la vida, pura poesía, un canto a la vida que no puede desaparecer ni desaparecerá nunca.

  • ¿Para qué crees que sirve el arte?

    Pienso que esta pregunta va muy ligada a la anterior. Escuchar una orquestra sinfónica o ver como un artista plasma un paisaje nos muestra a personas que canalizan este amor infinito que nos une a todos.Para mí, el arte sirve para plasmar este amor superior que nos engloba a todos en un plano físico en el que todos lo pueden apreciar.

  • ¿Cuál sería un elemento indispensable para un artista?

    Hay varios que son imprescindibles, pero quizá el más necesario de todos para este oficio es la perseverancia.

  • ¿El que copia una obra de arte es un artista?

    Yo personalmente no soy muy fan de copiar, pero soy diseñador gráfico y hace años había hecho algún rediseño de un logotipo ya existente. Era chulo porque, de alguna manera, era como revitalizar la idea inicial.
    En este sentido, aquel que consigue revitalizar la idea original y merjorarla es sin duda un artista. Pero vaya, creo que la pregunta iba más bien hacia el hecho de copiar obras maestras. En tal caso, en la inmensa mayoría de casos falta no se parte de la creatividad propia y además tampoco se supera el original.

  • ¿Me puedes decir un tópico sobre los artistas con el que estés de acuerdo?

    No. No te puedo decir ninguno porque el que más he escuchado es “vosotros sois raros” y no estoy de acuerdo con él. También hay muchos otros, ya no solamente sobre los artistas sino sobre el mundo del arte en general. Creo que se basan en ideas congeladas y que chocan con la realidad en muchas ocasiones.
    Por ejemplo, ese tópico que dice que si no es caro no es bueno. No estoy de acuerdo con él porque pienso que causa que todo el mundo aspire a cobrar una morterada por sus cuadros y a vender muchísimos, de manera que se crea una frustración cuando no es así, y además hace mucho daño tanto a los artistas como a esos que quieren comprar, ya que este tópico da a entender que para ser artista se debe aspirar a ser rico y famoso, mientras que en mi opinión ser artista parte de cualidades más internas que externas. Además, en la obra lo que se debe mirar es la calidad, la cual en muchas ocasiones no va en relación con el precio de cotización.

  • ¿Te ves bien valorado socialmente como artista?

    Sí, la verdad es que si. Ahora mismo me siento muy bien, me siento valorado y reconocido. Creo que este hecho se debe sobre todo al trabajo a conciencia que he hecho, intentando encontrar maneras para llegar a la gente, primero en mi entorno más cercano y después ampliándolo poquito a poco.
    Es muy importante el tema de la comunicación, que a veces dentro de las carreras artísticas queda un poco al margen, ya que es fundamental tener las herramientas adecuadas para llegar a la gente.

  • ¿El arte que haces te representa?

    Sí, porque mi pintura es realista y el realismo es lo que me sale de dentro. Va muy en la línea de lo que hacía mi abuela. Intento representar y continuar todo lo que ella empezó. Intentar hacer otra cosa sería pues una traición al estilo y a todo aquello que llevo en los genes.

  • ¿Te sientes artista?

    Sí. Cuando superas las dudas que tienes en los inicios, lo que queda es alguien que se levanta feliz por las mañanas porque trabaja en lo que le gusta y se siente doblemente reconocido, ya que además cuando presenta su obra ésa es comprendida, gusta y se vende.

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Entrevistas

Entrevista de Laura Cornadó a Miquel Cazaña: Primera Parte

Hace un año me entrevistó desde Catalunya la estudiante de Bachillerato Laura Cornadó a raíz de su trabajo de final de ciclo en el que, con la simple curiosidad del que quiere aprender más sobre algo (en este caso, de arte), entrevistó a 22 artistas. Su trabajo ha sido presentado hace pocas semanas y se titula ARTISTA. Espero que antes o después lo publique o se publique en algún lugar porque desde luego es un trabajo coral en el que podemos escuchar muchas voces distintas con experiencias distintas pero que al final dan un testimonio necesario y fresco sobre el sector. Allá va la primera parte de la entrevista que me hizo a mí:

  • Cómo fueron tus inicios en el mundo artístico?

    Mira, ahora mismo estoy empezando un blog en el que voy escribiendo toda esta experiencia para cualquier persona a la que le pueda servir, ya que pienso que es una cosa muy interesante y necesito ir escribiéndolo y ver si hay personas a las que les pueda interesar o ayudar.

    Realmente el mundo del arte está lleno de ideas, de tópicos, de humo… Y a medida que vas trabajando te vas dando cuenta de cuanto antes te saques todo esto de encima, antes podrás avanzar y hacer un camino normal, sin ideas, sin tópicos, sin frustraciones. Simplemente ir trabajando e ir contactando con la gente.

    Respecto a mis inicios, fueron por un lado con mucha emoción por todo lo que tenía ganas de transmitir y de demostrar, y por otro lado pues con cierta tensión, de nervios y de miedos también. Pero vaya, yo creo que cualquier persona que tenga talento y perseverancia puede dedicarse al arte.

  • ¿Cómo reaccionaron en casa cuando les dijiste que querías dedicarte al mundo del arte?

    Primero de todo tenemos que tener en cuenta que nuestros padres, los padres de los que queremos ser artistas, la mayoría de veces no tienen facilidad artística o no tienen esta inquietud profunda por expresarse e intentar ganarse la vida haciéndolo. Tampoco nadie nos enseña a tener un negocio propio. Lo vas haciendo por tu cuenta y riesgo. Pero es algo que por lo general da un pavor enorme. Más del 90% de las personas prefiere trabajar para otro y tener lo que parece un “sueldo fijo”.

    A partir de aquí, no podemos intentar depender ni apoyarnos especialmente en nuestra familia, si no que tenemos que intentar encontrar gente que nos comprenda, que haya vivido este camino y nos pueda dar consejos experimentados, que nos pueda ayudar de manera honesta.

    A pesar de todo, cuando empezamos con 18, 22, 25 años, lo que queremos es convencer a la gente con la decisión de nuestro estilo de vida y eso es lo más difícil y probablemente lo más absurdo. La gente tiene sus ideas establecidas y en general la gente sufre por ti y por tu porvenir. Lo que la mayoría quiere está preestablecido: entrar en un trabajo y tener un sueldo fijo. Entonces, cuando tú dices que lo que quieres es empezar una aventura particular porque te gusta mucho pintar, lo que suele pasar es que te miran como diciendo: “¿De verdad?”, y sin conocer lo más mínimo tu oficio te dicen que dedicarse al mundo del arte es muy inseguro, muy difícil… En la mayoría de los casos lo mejor es dar a esta respuesta relativa una importancia relativa. O, mejor aún, no intentar convencer a nadie de nada.

    Lo más importante es que aquellos que quieren ser artistas vayan hasta el final con este propósito, teniéndolo interiormente cristalino y estando sólidos como una roca

  • ¿Cómo crees que se considera al artista actualmente?

    Pienso que el artista se va labrando con los años y que el público, en gran medida, responde a lo que él les ofrece. Esto pasa con el mundo del arte y con el resto de profesiones. Por ejemplo un científico recibirá lo mismo que él haya aportado a la ciencia. De esta manera, pienso que como artista es importante poder ofrecer cierta educación y formación, ofrecer claramente tu punto de vista y tu aportación personal, hoy en dia sobre todo mediante las redes sociales, para ir labrando una necesidad en tu público, que quizá en un primer momento no tienen demasiado claro lo que es el arte o para qué sirve, y así tienen la oportunidad de conocerlo de cerca y de saber más.

    Así pues, lo que hace falta es ir labrando y dando forma a la idea borrosa que la gente tiene del arte.

  • ¿Recibir una remuneración económica es un requisito para considerarse artista?

    Yo creo que sí. Aunque mucha gente te dirá que no, que ha habido artistas muy sólidos con una carrera fulgurante que han plasmado su gran talento sin recibir ingresos. Durante algunos años, conseguir vivir del arte, hacer mi jornada teniéndolo como fuente de ingresos principal, fue mi lucha.

  • Respecto a los artistas que consiguen vivir del arte, podríamos decir que la creación artística se convierte en su trabajo. ¿Es un trabajo a tiempo completo, de 24 horas, o es un trabajo de 8 horas?

    Sí, es un trabajo de 24 horas, ya que al menos a mí me resulta imposible desconectar. Por ejemplo, cuando paseo con mi chica o con otras personas, voy con una libreta de apuntes o bien haciendo fotografías con el móvil, ya que muchas veces ves cosas que te inspiran y necesitas captarlas de alguna manera más allá de la memoria.

    Así pues, creo que es un trabajo de 24 horas por más que la jornada sea de 8. Además, lo mejor de hacer una cosa que te llena de verdad es que no te importa dedicar más tiempo, al contrario, ya que hay un punto en el que deja de ser un trabajo para convertirse en una forma de vida. Incluso te apasiona tanto lo que haces que a veces cuesta encontrar el equilibrio entre trabajar y hacer otras cosas, como estar con la familia o hacer otras actividades que son buenas para tu equilibrio personal. Ir al cine, estar con amigos…

  • ¿Exponer es un requisito para considerarse artista?

    Creo que ahora mismo el concepto de exposición es muy amplio. Podríamos considerar que expone aquél que publica en Facebook, o que cuelga obras en una galería de arte en línea, o incluso, y pienso que el futuro irá cada vez más en esta dirección, podríamos considerar exposición el hecho de compartir a través de whatsapp los cuadros.

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    Presentando la exposición “Destellos” En Civivox Mendillorri de Pamplona-Iruña. Junio de 2017.
  • ¿Qué criterios serían necesarios para considerarse artista?

    Creo que no soy nadie para definir eso. Para mí, un artista es aquél que vive del arte, en el sentido de que trabaja profesionalmente como artista y recibe una remuneración a cambio de ofrecer arte que le permite vivir. Aunque después ves algunos sujetos que cobran millones de dólares a sus coleccionistas “exclusivos” y sin embargo hacen obras que creo que no tienen nada de artístico. Por eso te digo, que el arte es un mundo muy nebuloso y lo más importante, como en todos los gremios, es que seamos honestos con nosotros mismos y con los demás para hacer de esta una profesión honesta y próspera.

  • ¿Cuál crees que es el objetivo al que aspira cualquier artista?

    Yo creo que el objetivo último tiene que ser poder desarrollarse completamente como artista, desarrollando todo el potencial hasta el punto máximo, ese que yo no conozco porque no he llegado al final en absoluto.
    Pienso que el objetivo es desarrollarse poco a poco pero sin pausa, viendo que hay diferencias entre una exposición y la anterior. Que con el tiempo son cada vez mejores. Poder ir evolucionando e ir tocando cada vez más la fibra de la gente, que vengan a tus inauguraciones, que se marchen a casa recordando tus cuadros, y sentir que eres útil para los demás.

  • ¿Piensas que la política y el arte están vinculados?

    Pienso que en Catalunya se podría crear una asociación que diera fuerza a los artistas para presionar a los gobiernos y conseguir que se hicieran más infraestructuras para los artistas en activo, ya que faltan.

    Por ejemplo, actualmente surgen muchas propuestas de micromecenaje que reflejan el hecho de que, aunque se hayan retirado muchas de las subvenciones y ayudas, la gente intenta confiar en propuestas alternativas y privadas, para garantizar la salida de algunos proyectos que antes podían ver la luz más fácilmente gracias a las ayudas de las instituciones.

    Lo que más mal sabe es que, tanto aquí en Catalunya como en el resto del territorio español, hay una gran cantidad de artistas con un talento brutal que, a causa de la falta de propuestas de educación, viabilidad o difusión, se tienen que dedicar a otras actividades, dejando de lado el hecho de pintar cuadros, es decir, vivir del arte, como una cosa secundaria.

    Así pues, creo que tenemos que luchar para que el arte tenga mucha más presencia en nuestro país.

Entrevistas

Entrevista a Antonio García Villarán, artista plástico y creador del Canal Arte y Creatividad

Es un placer continuar la sección de entrevistas con el invitado de hoy. Estoy muy contento de que Antonio García Villarán nos dedique unos minutos de su tiempo y nos explique su punto de vista sobre algunos temas de los que me gustaría saber su opinión. Antonio nació en Sevilla en 1976 y es escultor, pintor y profesor de pintura. Desde hace algún tiempo, es también cada vez más conocido por su extraordinario canal de Youtube Arte y Creatividad, en el que encontraréis cantidad de herramientas para todos aquellos que estáis dedicando tiempo a formaros como pintores, así como consejos tanto a nivel técnico como de mercado e incluso psicológicos podríamos decir. Puesto que la carrera del artista es larga y muchas veces solitaria, me pareció que los videos de Antonio son realmente de los pocos que cubren el gran vacío existente entre el momento de graduarte y el momento en que empiezas a respirar tranquilo y con tu lugar en el mercado.

Antonio, primero de todo, enhorabuena por tu extraordinaria labor y por el éxito cosechado. Es un gran placer ver que hay personas que tienen la experiencia y la calidad humana necesaria como para mirar hacia atrás en el tiempo y ver que después de la escuela hay todo un mundo desconocido; y que hay que intentar dar respuesta a la mayoría de personas que empiezan su andadura en el mercado del arte llenos de dudas sobre qué pasos dar.

 

Miquel Cazaña: ¿Cómo surgió la idea del canal de Youtube y los primeros videos? ¿Viste necesidades concretas a través de tus propios alumnos?

Antonio García Villarán: Realmente el canal de Youtube fue posterior a mis cursos de Udemy. Mi intención al grabarme era hacer llegar mis conocimientos a todo aquel que lo necesitara, así que creé un primer curso de dibujo en esta plataforma con las mismas lecciones que doy en mi academia. Aunque tengo abierto mi canal desde 2009, no me lo había tomado tan en serio hasta hace menos de un año. Entonces decidí mostrar todo lo que soy, grabando clases, reflexiones o explicando mis obras. También hago lo que hacen muchos youtubers, pero siempre con intención de divulgar el arte. 

MC: ¿Qué dicen tus antiguos alumnos? ¿Les ha sorprendido el canal de Youtube Arte y Creatividad? ¿Le sacan partido como complemento a las clases presenciales?

AGV: Sí, mis alumnos suelen ver los vídeos y me los comentan en clase. Realmente estoy haciendo de manera natural lo que se llama ahora “clase invertida”. Hay un libro que lo explica muy bien, de los autores Jonathan Bergmann y Aaron Sams.

MC: Hay algo verdaderamente extraño desde el sistema educativo, porque mientras en otras profesiones el alumno ya estudia pensando en que entrará a trabajar para alguien, en el caso de la pintura es bastante obvio que el alumno tendrá que buscarse la vida por su cuenta, y sin embargo no hay ninguna asignatura que vaya dirigida a forjar una mentalidad emprendedora o, como mínimo, relacionada con la venta de arte. ¿Por qué? En gran medida tú ayudas a romper esta tendencia, combinando recursos técnicos con formación laboral real basada en tu experiencia.

AGV: Esto que dices es lo mismo que pensaba yo cuando estudiaba Bellas Artes, y es una de las razones por las cuales hago los vídeos. Creo que en la enseñanza reglada debería haber clases dedicadas a generar herramientas que ayuden a los alumnos a insertarse en la sociedad, ya sea buscando trabajos propios de su condición como artistas o generándolos ellos mismos. Quizás deberían contar con expertos en el tema, aunque por otra parte, también tenemos la red como aula mundial en la que encontrar este tipo de contenido.

MC: Viendo tus videos, un rasgo identificativo, gracioso y que comparto desde mi espacio es la voluntad de desmitificar todo el sistema principal que alimenta férreas creencias sobre el mundo del arte. Te hemos visto matar vacas sagradas (pintores que parecen intocables), te hemos visto desmontar ferias enteras y concursos o, si más no, ponerlos en tela de juicio como paso decisivo para entrar en el podio. Tú ofreces tus conocimientos, tu experiencia y tu opinión e incentivas a que la gente lo haga y desarrolle su criterio para que se exija honestidad y rigor. Mucha gente no da su opinión por miedo a parecer ignorante, ¿verdad?

Dos de las obras de Antonio García Villarán: El collar rojo y Cabaret 1. Ambas de 110 x 75 cms. Realizadas en técnica mixta.

AGV: Llevas toda la razón. Desmitificar es algo necesario. Mucha gente se siente frustrada a causa de creer cosas erróneas, y a mí me gusta investigar para intentar derribar esos muros. Por ejemplo, hay algo que he escuchado mucho a lo largo de mi vida y es que los profesores de arte no son buenos artistas. Esta es una cuestión que se suelta así, sin datos, pero a poco que mires en la historia verás que artistas que realmente han cambiado el rumbo del pensamiento plástico han sido profesores, como por ejemplo Paul Klee, Vasili Kandinsky, Marc Chagall, y hasta Frida Kahlo tenía sus propios alumnos en una etapa de su vida. Esto sólo por nombrar algunos. 

MC: El crítico de arte Robert Hughes llegó a coger una depresión viendo como el mercado del arte se estaba convirtiendo en una gran casa de subastas donde los valores eran lo último a tener en cuenta y donde los propios museos entraban plenamente en el juego del dinero sabiendo que las obras que forzosamente promocionaban no eran las de mayor calidad. ¿Todo este engranaje perverso tiene marcha atrás? Realmente hay que rascar bastante para encontrar artistas con un trabajo honesto. ¿Hemos olvidado que el artista debe servir a la gente?

AGV: Yo no creo que haya nada imposible. Además, ahora tenemos una herramienta muy potente que es la red, desde la cual podemos cambiar esto. Si todos aportamos nuestro granito de arena seguro que lo conseguimos. Siguiendo con los ejemplos, en el vídeo en el que hablo de ARCO digo lo que he escuchado a muchos de mis amigos durante años -además de mis propias ideas- pero nunca se han atrevido a decirlo en público. Hay cosas que están en la conciencia de todos, y cuando las escuchas las entiendes y las compartes.

MC: A los artistas que empiezan, sin embargo, siempre se les dice que es una cuestión de suerte, de que te encuentre la persona adecuada; que hasta entonces no tienes nada que hacer. ¿No crees que hoy más que nunca el estímulo tiene que ser interno y que el propio artista tiene que ser el principal motor para promocionar su trabajo? Al margen de toda la maquinaria macroeconómica, siempre parece que no hay tonos grises y sin embargo uno puede crear su propia comunidad y vender de manera honesta y con cierta frecuencia. Y más hoy, a través de internet y redes sociales. Hay unos cuantos ejemplos.

AGV: Efectivamente. Ahora tenemos más libertad. Antes era muy complicado hacer llegar tu obra a la gente, pero ahora, incluso diría que con menos esfuerzo pueden obtenerse mayores logros. Eso sí, hay que trabajar. Nada viene solo.

MC: Supongo que eres consciente que desde Arte y Creatividad ofreces un espacio alternativo para tender una mano cálida y buscar otras maneras de que los artistas puedan desarrollarse como pintores a todos los niveles. Les das a entender que hoy en día las cosas han cambiado y que la red es la mejor galería existente. Estamos en una época de transición, ¿verdad?

AGV: Sí, esto es realmente un cambio muy importante, y estamos asistiendo a él en primera fila. 

MC: Y además ofreces herramientas a cuestiones reales que confunden y que pueden llevar a errores difíciles de subsanar, como los relativos a los precios de las obras. He conocido a pintores de 50 años que en un momento dado subieron sus precios y ahora no los pueden bajar y tienen verdaderas dificultades para vender. ¿Este asunto de los precios te lo preguntan muy a menudo? También sueles comentar que lo importante es diversificar, ¿verdad? ¿Qué consejos o ejemplos de diversificación les darías a aquellos que empiezan?

AGV: Respecto a los precios de las obras me lo preguntan casi a diario, por eso decidí dejar mis impresiones en un vídeo. Y respecto a la diversificación, de nuevo intento normalizar algo que paraliza a mucha gente a la hora de hacer arte. Muchos son los que piensan que para ser pintor te debes dedicar únicamente a pintar y además vender. Esto no es realista. Yo mismo he tenido épocas en las que únicamente he pintado y he vivido de eso, pero creo más en la diversificación, ya que aporta aire fresco a tu día a día, y además, es algo inherente al ser humano. ¿O acaso comemos lo mismo todos los días?

MC: Recordando tus videos sobre el cubismo, el simbolismo o el surrealismo entre otros, lo cierto es que nos enseñas historia de la pintura de una manera amena y con ejemplos que algunos no conocíamos, pero también nos hablas de poesía, de música, de proyectos editoriales… ¿Antonio García Villarán necesita expresarse como artista en todas sus manifestaciones? ¿Qué otros proyectos tienes en marcha en estos momentos?

AGV: Sí, yo creo que todo está unido. A mí me gusta crear, aunque me decante más por unas disciplinas que por otras. Ahora estoy preparando nuevos cursos para Udemy, uno sobre Anatomía y otro sobre cómo pintar basado en mi experiencia (contando cómo realizo una obra de principio a fin) y estoy muy centrado en mi canal y en mi serie de 

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Imperio Curvo. Libro de poemas de Antonio editado en 2014 por Cangrejo Pistolero Ediciones.

cuadros en los que estoy mostrando mi visión de Andalucía a través de “vanitas”. De todas formas no descarto cualquier proyecto que me guste o que tenga la necesidad de llevar a cabo. Como te digo, todo es posible.

 

MC: ¿Alguna otra cosa que les quieras decir a aquellas personas amantes de la pintura, que quieren abrirse camino en el mercado honestamente pero que tienen dificultades para tener la ayuda necesaria?

AGV: Creo que muchas de esas cosas ya están dichas en mis vídeos, pero sí me gustaría animar a todos aquellos que siempre han querido dibujar, pintar, bailar, cantar, en definitiva, expresarse, que lo hagan. Al igual que buscamos una receta para hacer un pastel en Youtube y al momento ya sabemos hacerlo, podemos investigar para aprender aquello que siempre hemos querido aprender. Y por último, que no tengan miedo a nada. El miedo paraliza y es absurdo.

 

Entrevistas

Entrevista a Fidel Gómez, artista plástico y autor de Arte para la Vida

Abrimos la sección de entrevistas de este blog con una opinión que me ha cautivado desde que la conocí hace unos meses, cuando buscaba contenidos de calidad sobre arte. Fidel Gómez nació en Venezuela en 1973 y es artista plástico, profesor de arte y además se dedica a escribir. Desde hace más de 15 años ha estado trabajando en el ámbito de la gestión cultural como docente de artes plásticas tanto en instituciones públicas como privadas, así como formulando y desarrollando múltiples proyectos culturales vinculados con las artes visuales. Es fundador de la Asociación Civil Arte para la Vida (2008), con la cual ha impulsado la investigación y la difusión del arte venezolano acercando la experiencia artística a los ciudadanos de cualquier edad, tanto a nivel de espectadores de arte como a nivel de artistas que experimentan creando.

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Desde septiembre de 2016, y con toda esta experiencia a sus espaldas, ha creado la web arteplavida.com, una plataforma online desde la que nos acerca su experiencia y sus conocimientos y con la que quiere profundizar en el ámbito de la difusión artística, la Gestión y la Asesoría de Proyectos Artísticos y Culturales.

Su objetivo es constituirse como una referencia cultural en el ámbito digital, con proyección internacional, para brindarles soluciones reales a los profesionales del mundo del arte.

Debo decir que por poco que leáis sus artículos veréis que los contenidos de la web son sólidos y útiles y que nos dan una visión real y cercana del mundo del arte; aparte de sus propias reflexiones nos acerca a conversaciones con profesionales del mundo del arte como artistas, curadores, tasadores y galeristas.

 

Miquel Cazaña: Por tu experiencia, has trabajado con muchos artistas y los has visto crecer y madurar desde sus comienzos hasta que consiguen profesionalizarse. ¿El artista profesional nace o se hace?

Fidel GómezTe voy a responder desde mi experiencia y debo aclararte que no es muy larga, y ciertamente he visto crecer a muchos artistas, tanto de mi generación, así como de generaciones anteriores y posteriores, con algunos de los cuales he trabajado en distintos tipos de proyectos, bien sea expositivos, formativos o de investigación. En el camino he visto muchas cosas, desde los que logran mucho, los que logran poco, así como a los que no les importa ir más allá de lograr ciertas cosas, llegar hasta cierto punto, son realidades dentro de la vida de los artistas, yo mismo formo parte de esa complejidad, de esa lucha por hacerse un espacio, y no me gusta hablar de mí pero pienso que es pertinente mencionarlo, porque no quiero que esta entrevista tenga un tono descontextualizado o que me ubique en una posición irreal, ya que el arte es una lucha constante y para un artista profesional se trata de una carrera muy pero muy larga, llena de obstáculos de todo tipo, y sobre todo llena de retos, de muchos retos. Pero cuando hablamos de un artista profesional, estamos refiriéndonos a alguien que le dedica su vida al arte, cosa que para muchos es algo suicida y de hecho lo es, ya que es dar un salto al vacío, donde tu única garantía es la convicción de que lo que estás haciendo tiene algo que aportar en el mundo del arte.

Y volviendo a tu pregunta pienso que el artista es una mezcla de las dos cosas, ya que de nada sirve el talento si no se cultiva, así como no sirve de nada forzar algo sino tiene un impulso real desde dentro, nadie es artista por decreto, existe el talento y como te dije éste debe ser cultivado, aquí entra la importancia de la academia, aunque hay casos de extraordinarios artistas autodidactas, pero son casos aislados, lo mejor es estimular el estudio, ese roce tan rico e importante que dan los estudios, no sólo técnicos, también teóricos, de la historia del arte, el contacto con otros profesionales del arte y artistas que te inculquen sus valores estéticos. Después viene la otra parte de la que te hablé al principio, la lucha por mantenerse a flote a pesar de tantas cosas, y sobre todo el entender que como todo en la vida, la carrera de un artista está llena de aciertos y fracasos, de un ensayo y error permanentes, y en ese proceso mantenerse fiel a las investigaciones en el campo artístico, para desarrollar su estilo, lo que algunos expertos denominan el código subyacente de la obra, es decir aquello que la identifica por siempre como la obra de determinado artista, y lo cual es muy difícil de lograr, lleva años de dedicación, constancia y mucho esfuerzo.

MC: Vivimos en un mundo en el que, para lanzar al mercado cualquier proyecto, el talento demostrado es relativo en comparación con la pericia de saberse vender y saber relacionarse. ¿Qué les dirías a aquellos artistas que creen vivir una situación injusta, con talento de sobras pero con pocas ventas?

FG: Me remito a la idea del desarrollo del código subyacente, si un artista no ha logrado eso, o no está en ese proceso, te pregunto ¿qué va a mostrar, acaso tiene algo que mostrar? Recientemente y creo que lo leíste en el blog de Arte para la Vida, escribí un artículo sobre este tema Arte para vender o vender mi arte, y lo comencé con un pensamiento de Picasso, que siempre me ha parecido contundente: “Un pintor pinta lo que vende, un artista vende lo que pinta”. En este pensamiento Picasso resume las dos posturas ante el mercado del arte, pintar para vender, o vender lo que se pinta, lo que yo denomino la postura del creador ante la postura del hacedor. Un creador no trabaja pensando en el mercado, el hace su obra y sabe que en su momento el mercado aparecerá y él podrá vender su obra, bien sea en una galería privada, por su cuenta o de cualquier otra forma, pero por su lado el hacedor produce una obra pensando exclusivamente en el mercado y es allí donde se ha dado la gran distorsión, de la que se ha sabido valer mucha gente del mundo del mercado del arte, para lucrarse comercializando un tipo de arte sin valor estético alguno.

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Puede que mi postura te parezca un poco fuerte, pero es una realidad lo del tema de la burbuja del arte, los tiburones del arte y todo eso. Pienso y te lo reitero que primero lo primero, lo primordial es que el artista desarrolle una obra real, con valor estético, con un aporte al mundo del arte, y después piense en el tema del mercado, lo cual sé que es sumamente complejo, pero definitivamente mucho más manejable en estos tiempos, que el no tener una obra consolidada o en vías de estarlo. Soy fielmente seguidor de la idea del creador expresada por Picasso, no del hacedor.

“Un creador no trabaja pensando en el mercado. Él hace su obra y sabe que en su momento el mercado aparecerá y él podrá vender su obra, bien sea en una galería privada, por su cuenta o de cualquier otra forma, pero por su lado el hacedor produce una obra pensando exclusivamente en el mercado y es allí donde se ha dado la gran distorsión, de la que se ha sabido valer mucha gente del mundo del mercado del arte, para lucrarse comercializando un tipo de arte sin valor estético alguno“. 

MC: Como artista, lo que más solidificó mi trayectoria fue el hecho de acorazar y reforzar el propósito mental y espiritualmente, hasta el punto de verlo interiormente cristalino como el agua y sólido como una roca para acto seguido poderlo materializar. ¿Cuál ha sido tu experiencia al respecto y qué papel ha jugado la espiritualidad en tu trayectoria y en la de tus alumnos?

FG: Indudablemente que la fortaleza espiritual es un motor vital en la vida de todo artista, y no sólo de los artistas de todos los seres humanos, uno de los grandes problemas actuales, es que vivimos en sociedades donde se han perdido los valores espirituales y desde el punto de vista ético pienso que rescatarlos es algo muy necesario. Ahora mi experiencia espiritual ha sido algo compleja, ya que en mi época de estudiante en la escuela de artes visuales en Caracas, por allá a comienzo de los 90, mis investigaciones dentro del campo del arte abstracto, me llevaron a una búsqueda de lo inmaterial, que a su vez devino en un despertar espiritual, es algo de lo que nunca he hablado con nadie, pero ya que lo preguntas me parece oportuno tocar el tema. Siempre he sido amante y seguidor de la obra de Jesús Soto, uno de los artistas venezolanos más importantes de todos los tiempos, en esa época me dediqué a estudiarlo, y un aspecto muy importante de su trabajo toca el tema de la inmaterialidad, lo cual profundizando y profundizando me llevó al tema del espíritu y eso desató en mí una búsqueda más allá de los artístico, que me llevó a practicar bhakti yoga, filosofía que sigo hoy en día. Y lo más curioso es que por un tiempo me alejé del mundo del arte, digamos de modo formal, sin embargo siempre me mantuve haciendo proyectos, tengo libretas llenas de bocetos e ideas, muchas ideas nuevas, fue una época como de reposo o más bien viéndolo hacia atrás, fue una época de viaje interior, de reinventar mi quehacer artístico a la luz de otra óptica, y hoy por hoy la espiritualidad es algo que permea mi trabajo completamente, eso me conectó mucho con los maestros de las primeras vanguardias, con Kandinsky y su espiritualidad en el arte y todos esos temas, creo que es importante retomar esas ideas y volverlas a poner en el tapete del arte, en las escuelas de arte, esos grandes artistas edificaron el mundo del arte moderno y contemporáneo, son una fuente inagotable de vida para el arte.

Por otro lado y como dato curioso, esas investigaciones sobre la obra de Soto me condujeron a la vida espiritual, y mi nueva visión espiritual me devolvió a la pintura, pero con otra óptica, llena de mucho color, con una trazo torpe, que ha evolucionado hacia una simbología más abstracta cargada de misticismo, la cual he cultivado y mantenido desde entonces (1998). Siempre he estado en ese ir y venir, me gustan los reposos y después los tiempos de mayor producción, me gusta mucho cultivar los aspectos conceptuales del trabajo y llevarlos a los limites, experimentando y reinventándome constantemente, es parte de mi naturaleza, como dicen en Venezuela no me gusta quedarme pegado en algo, me gusta crear a partir de mis propios descubrimientos y experimentaciones plásticas, además considero fundamental en el desarrollo artístico la vivencia, creo que un artista sin vivencias no tiene nada que decir.

MC: Por inercia, los artistas tenemos tendencia a esperar a que las oportunidades vengan solas y desde fuera. He visto artistas con 50 años que no hacen exposiciones porque están esperando a conocer un buen marchante de arte que les dinamice su obra. ¿Crees que el artista debe hacerse la idea de que en la actualidad la figura del marchante ha desaparecido por completo?

FG: Mira creo que la figura del marchante sigue más viva que nunca, lo que ha cambiado es la manera como se vinculan con los artistas, así como sus funciones como marchante, hoy en día los podemos ver haciendo varias cosas, son curadores o comisarios, y galeristas a la vez, eso ha evolucionado mucho, incluso hay artistas que combinan la creación artística con este tipo de cosas. Hace 30 o 40 años un artista podía esperar y morir de mengua, mientras era descubierto, lo cual en estos tiempos es una soberana tontería, sobre todo con las posibilidades que ofrecen las herramientas digitales, las plataformas online, y uno de los objetivos del emprendimiento online de Arte para la Vida apunta hacia allá, a cómo ayudar a los artistas y demás profesionales del mundo del arte a ser efectivos en el logro de sus metas y proyectos, por medio de nuestros contenidos educativos, servicios, y ahora dentro de poco lanzaré una academia de cursos online con una gran variedad de ofertas vinculadas con todos estos temas.

MC: ¿Qué papel juega internet y sus herramientas en el escenario actual? ¿Son los nuevos agentes comerciales de los que disponen los artistas?

FG: Internet ha cambiado los hábitos del ser humano en muchos sentidos, sobre todo los hábitos de consumo de información, y los hábitos de consumo en general. Antes cuando alguien necesitaba comprar algo iba a una tienda especializada y preguntaba, ahora con toda la información que está disponible en la web, los usuarios antes de comprar algo lo conocen más que el propio vendedor del producto, algo muy impresionante, pero real, igual pasa con muchas cosas, hay mucha información, incluso más que eso hay bibliotecas completas, es decir conocimientos accesible. La gran pregunta es ¿cómo los profesionales del mundo del arte pueden aprovechar todo esto? Creo que desde el trabajo que estamos haciendo en Arte para la Vida, se está consumando un esfuerzo en enseñar a los artistas y demás profesionales del arte, a que si es posible apalancarse por medios digitales, sobre todo cuando se trabaja desde un buen sitio  web, eso aunado a toda la dinámica generada desde las redes sociales, en las cuales tenemos la oportunidad de generar tráfico cualificado hacia nuestro sitio web, compartiendo nuestros contenidos de valor, y otra cosa muy interesante, la posibilidad de vincularse con gente que antes era impensable, y me refiero a profesionales de alto nivel, como directores de museos, galeristas, artistas de renombre, curadores gestores culturales, y estamos en el momento preciso en que la ola está arriba, es el momento de tomar ventaja de esa realidad para apalancarse y lograr oportunidades que antes, incluso con la existencia del Internet no se podían lograr, es algo más reciente y viene vinculado con la llamada plataforma 2.0, ese tipo de internet donde es fundamental la experiencia del usuario.

MC: En uno de tus últimos artículos comentabas que los artistas son un colectivo al cual los estados no saben cómo tratar. Detallabas que tenían dificultades para exponer, para difundir, para investigar y para vender. A la vez señalabas que la dificultad empezaba en la escuela con profesores que hablaban del hecho de vender como algo que pervierte y corrompe el arte. Sin embargo, el artista es un emprendedor, y como tal se dedica a la venta ¿Hasta qué punto debe ser una persona de negocios y salir de los cauces convencionales que tan a menudo lo mantienen en un círculo vicioso?

FG: Yo me referí en ese artículo que mencionas Arte para vender o vender mi arte, a que en muchos países los artistas son tratados indebidamente, sobre todo en los países llamémoslos así, aunque no me gusta el término, países  subdesarrollados, en donde simplemente no saben ni qué hacer con sus artistas, ni cómo aprovechar sus potenciales en beneficio de la sociedad, terminando esto en un maltrato al artista como si se éste fuese una especie de forajido, lo que tristemente lo lleva a emigrar buscando nuevos rumbos o en el peor de los casos a vivir sin posibilidades de desarrollo sumido en la frustración, son realidades sociales que aquejan a los artistas en los países subdesarrollados, con sus altos y bajos, pero no se puede tapar el sol con un dedo. Y en este contexto es lógico que surjan dificultades de todo tipo para exponer, vender, difundir, etc. Pero la realidad actual es que un artista debe ser multifuncional, es decir estar en la capacidad de hacer muchas cosas vinculadas con su carrera artística, entre esas buscar los mecanismos de darle salida comercial a su trabajo. Hace poco conversaba con Marta Tabernero, la directora de la plataforma Mecenas 2.0, y ella me decía eso, de la necesidad de conseguir nuevos modelos de comercialización, y específicamente me hablaba de una experiencia que está dándose en este momento en España y otros países europeos, donde los artistas están montando sus propios emprendimientos, sus propias galerías. El artista del siglo XXI debe estar dotado de mucha herramientas para poder ser verdaderamente competitivo, pero ojo siempre con la obra por delante, y el mercado siguiéndola.

“La realidad actual es que un artista debe ser multifuncional, es decir estar en la capacidad de hacer muchas cosas vinculadas con su carrera artística, entre esas buscar los mecanismos de darle salida comercial a su trabajo.”
“El artista del siglo XXI debe estar dotado de muchas herramientas para poder ser verdaderamente competitivo, pero ojo siempre con la obra por delante, y el mercado siguiéndola.”

En España no sé si lo sabes, recientemente (hace un par de años) la gente de la Factoría Cultural, junto con un grupo multidisciplinario de profesionales, montaron una escuela en Madrid que llamaron SUR Escuela de profesiones artísticas, y es una idea muy en consonancia con esto que te estoy diciendo, si ves el pensum le enseñan de todo a los estudiantes, no sólo lo vinculado con las artes visuales como tal, sino también teatro, cine, diseño web, diseño gráfico, literatura, fotografía, hay gente que ya está haciendo cosas en el mundo académico, gente que ha entendido que el fenómeno de las artes visuales es parte de un pensamiento complejo, lo cual hace muy necesario lo interdisciplinario, con esas mismas ideas se lanzó Arte para la Vida, buscando dar respuestas reales en ese sentido.

MC: También hay que mencionar la presión que ejercen los familiares y personas más cercanas al artista, que habitualmente sufren por el porvenir económico de éste y en muchas ocasiones dudan de que la carrera llegue a buen puerto. ¿Ésta es a menudo la barrera definitiva?

FG: El artista debe seguir luchando a pesar de cualquier obstáculo, como te lo mencioné anteriormente el arte es una carrera muy larga, de hecho una carrera de toda la vida, y así como hay familias que se oponen hay las que apoyan, cada caso es cada caso. Pero definitivamente el artista debe luchar mucho y tener muy claros sus objetivos, por eso siempre insisto en el tema de los proyectos, ya que estos son motores que mueven a los artistas, los proyectos activan cosas y las ponen en movimiento, nos mantienen en un dinamismo constante, y en la medida en que la familia ve que el artista está trabajando en proyectos, que tiene resultados y puede vivir de eso, terminarán siendo sus aliados, es cuestión de tiempo y constancia, mucha constancia, pero sobre todo entender la importancia de hacer bien las cosas, de trabajar de modo profesional, mucha gente se llama profesional pero trabaja como aficionado, ese es otro tema de fondo, ¿hasta qué punto alguien que dice ser profesional lo es? Hay que partir del profesionalismo para poder plantearse proyectos serios y de envergadura, como por ejemplo una buena exposición en un buen espacio, si el artista no aspira no logra nada, se estanca, y los proyectos movilizan esa energía.

“En la medida en que la familia ve que el artista está trabajando en proyectos, que tiene resultados y puede vivir de eso, terminarán siendo sus aliados, es cuestión de tiempo y constancia, mucha constancia, pero sobre todo entender la importancia de hacer bien las cosas, de trabajar de modo profesional”.

MC: Has estado viviendo muchos años en la India. ¿Cuál fue tu experiencia con el arte allí? ¿Fuiste a desarrollar proyectos propios o también a enseñar o a formarte?

FG: Viví 5 años en India, del 2011 al 2016 y te puedo asegurar, que fue la experiencia más intensa, hermosa y poderosa de mi vida, hay un antes y un después en mi vida con respecto al haber vivido en India. Mi principal motivación fue mi desarrollo espiritual, y no sólo mío, sino de mi esposa y mis hijos, todos nos lanzamos esa aventura llena de magia, olores, texturas, colores, temperaturas, adoración,sensaciones, algo fuera de lo común. Allá hice varias cosas algunas vinculadas y otras no vinculadas con el arte. Estuvimos viviendo en un ashram (templo) en un lugar llamado Nabadwip Dham a las orillas del Ganges, en West Bengal, a 3 horas de Kolkata en tren. La vida familiar mezclada con las actividades del ashram fue algo muy interesante, yo vivía con mi familia en un apartamento chico pero cómodo, en el cuarto piso de unos de los edificios del complejo del templo que es bastante grande, y hacia atrás quedaba un lago inmenso que le daba un toque selvático súper especial, en los días de luna llena la luna se reflejaba en el lago, un espectáculo visual único, de hecho toda esa parte es bastante selvática aún, hay desarrollo urbanístico pero no tanto como en las ciudades, una de las experiencias más impresionantes era subirse a la azotea del edificio que es como un mirador y contemplar todo el poblado cantando japa (rezando el maha mantra en un rosario), a un lado el puente que pasa por encima del Ganges, con vehículos siempre circulando, del otro lado un templo que se llama Govinda kunda (lago de Govinda), que está en el centro de un lago más pequeño, todo muy místico, hice muchas fotografías de esas vistas, de las cúpulas de los templos entre las palmeras, algo impresionante, y del otro lado ves hacia abajo y está el camino principal y ves cómo van y vienen las rickshaws (vehículos de transporte con bicicletas), las bicicletas, tractores, gente a pie, manadas de búfalos a bañarse en el río, manadas de vacas, tractores, camiones, grupos de peregrinos cantando y bailando los santos nombres de Dios, todo lo que se te ocurra circula por allí.

Creo que una de las cosas más importantes que me quedó de esa experiencia de vivir en India, fue valorar como nunca mi carrera como artista, darle nueva vida a mis proyectos, concebir nuevos proyectos, de hecho allá comencé a conceptualizar todo lo que sería el emprendimiento de Arte para la Vida online, completé mi libro de poemas “Estados del alma”, el cual está en fase de revisión para ser publicado, de hecho allá produje muchos poemas que son parte del libro. En fin fue un viaje hacia mi interior que me llenó de una energía única de unas vivencias para toda mi existencia, y con toda certeza te puedo decir que valió la pena, a pesar de lo rudo del verano, valió la pena. Y sobre todo realice una de las principales enseñanzas de Sri Chaitanya Mahaprabhu, la verdadera religión es la religión del corazón, donde cada corazón es un templo del Señor, algo de lo que siempre hablan mis maestros espirituales, Srila Govinda Maharaja y Srila Sridhar Maharaja, unas grandes almas autorrealizadas.

Uno de los proyectos artísticos que comencé allá está vinculado con generar mecanismos de análisis visual, conectando las texturas de las paredes y la pintura abstracta, lo llamé El discurso de las paredes y la educación artística, y tiene como finalidad hacer un libro didáctico, en este momento le estoy dando la vuelta para convertirlo en un curso online, pero igual quiero desarrollarlo al máximo y editar el libro, ya que hacen falta herramientas de análisis visual, que nos ayuden a vincular lo que está a nuestro alrededor con el arte contemporáneo, desde la observación profunda, el análisis, así como con lo sentido y lo conocido.

Por último estuve encargado de un restaurante, de hecho el restaurante del ashram, el cual opera principalmente en marzo, durante un festival muy grande que se llama Gourapurnima (Nacimiento de Sri Chaitanya Mahaprabhu) al cual asisten miles de peregrinos de todo el mundo,. En esa época hay una gran efervescencia espiritual, todos los templos están llenos de devotos de todo el mundo, hay parikramas (peregrinaciones en procesión)  por todos lados, algo muy intenso realmente. Durante 4 años dirigí ese servicio, donde era mánager y cocinero también, hacía las pizzas, la comida italiana en general y los noodles que son una pasta estilo chino, mi familia me ayudaba mucho también, de hecho esa actividad me ayudó mucho con mis gastos estando allá, que aunque la vida es muy económica igual necesitas tener algún tipo de ingreso que te ayude a mantenerte. Finalmente  nuestras visas vencieron, nos vimos en una situación bastante precaria económicamente por la situación en Venezuela, pero finalmente conseguimos venirnos a Montevideo, donde estamos estableciéndonos, no ha sido nada fácil, pero seguimos luchando. No quise volver a Venezuela porque después de vivir con tanta tranquilidad en India, irnos a meter en esa crisis, donde la gente está pasando tanto trabajo, preferimos buscar otro rumbo, y desde aquí monté el emprendimiento online de Arte para la Vida y sigo con mis proyectos artísticos personales, haciendo crecer el emprendimiento, haciendo nuevos vínculos, escribiendo para otros sitios web, en cualquier momento comienzo a dar clases, y en casa siempre mantenemos nuestra adoración,  esa es mi vida.

MC: ¿Cómo te parece que ayuda el arte a las personas que lo observan? ¿Cómo explicarías a alguien que no le interesa el arte que éste tiene un valor terapéutico?

FGEl arte es una experiencia estética, es decir un acontecimiento que toca las fibras del ser, por lo menos esa es la concepción del arte que a mí me interesa, y en ese sentido es súper terapéutico,  pero más allá de eso el arte es vital en la vida, la vida sin arte es algo incompleto, creo que es fundamental educar a la gente en estos valores, acercarlos a los artistas, a los museos, a los teatros, al buen cine, al patrimonio, a la literatura, que aprecien el arte y en ese sentido apreciará más la vida, porque en última instancia el arte es eso una manifestación sensible de la vida, de la existencia, el arte nos recuerda que hay algo más allá de lo aparente, nos introduce en una dimensión espiritual. Una obra de arte debe transmitir lo mismo que tramite el contacto con la naturaleza, y en eso me identifico mucho con el movimiento romántico, ese sentido de pequeñez ante la grandeza de la creación, pienso que es fundamental en el arte, y no me refiero al tamaño de la obra sino a su capacidad comunicativa. Y ¿sabes qué? me da la sensación de que el haber olvidado esos aspectos ha llevado al arte a estar en la situación donde está, y se ven esas cosas que mencionaste, donde se le da más importancia a la publicidad de una obra que a la obra en sí. Hay muchas cosas que deben ser desmontadas, hay mucha basura en los museos y hay que decirlo, mucha pose de supuestos artistas conceptualistas y duchampianos descontextualizados, que excusan su mediocridad con el cuento del arte contemporáneo, y sí es importante la interdisciplinariedad, pero también es importante el cultivo de las disciplinas, con miras a conservar la calidad del arte.

“El arte es una manifestación sensible de la vida, de la existencia. El arte nos recuerda que hay algo más allá de lo aparente, nos introduce en una dimensión espiritual”.

Últimamente he revisado mucho lo que dice la crítico de arte mexicana Avelina Lésper, quien desató toda una polémica por su postura frontal en contra del denominado arte contemporáneo, y Avelina dice muchas verdades, aunque no suscribo muchas de sus posturas, pienso que su tesis de que el arte es creación, es disfrute estético, yo estoy completamente de acuerdo con eso. Y es una idea que yéndonos mucho más atrás ya está en pensadores como Kant y más recientemente en Heidegger, con todo aquello del desocultamiento de la realidad, los cito porque son autores de los que me he nutrido siempre. Ahora pienso a modo muy personal, que Avelina Lésper comete un gran error al pretender borrar de un jalón una parte muy importante de la historia del arte moderno y contemporáneo, llamando farsante a artistas como Marcel Duchamp, cuando Duchamp fue un experimentador nato, un irreverente que abrió un nuevo camino en el arte, y no sólo él, muchos otros de sus contemporáneos, lo menciono a él porque es el blanco favorito de Avelina Lésper. Si analizamos la historia del arte moderno y contemporáneo, encontramos que de las experiencias de Duchamp se derivaron una gran parte de las manifestaciones posteriores que aún hoy en día conforman el mundo del arte, desde el arte conceptual con todo el trabajo de Beuys y lo que de allí se derivó como escuela, el mismo arte cinético tiene sus primeros pasos en los experimentos plásticos y readymades de Duchamp. En estos momentos se está celebrando en la Fundación Proa en Buenos Aires, la exposición más importante de Yves Klein en Suramérica, de hecho la primera retrospectiva de este importante artista francés de mediados del siglo XX en esta parte del mundo, y muchas de sus ideas en el arte vienen de las experiencias de Duchamp y otros, pero principalmente de Marcel Duchamp.

“Hay muchas cosas que deben ser desmontadas, hay mucha basura en los museos y hay que decirlo, mucha pose de supuestos artistas conceptualistas y duchampianos descontextualizados, que excusan su mediocridad con el cuento del arte contemporáneo, y sí es importante la interdisciplinariedad, pero también es importante el cultivo de las disciplinas, con miras a conservar la calidad del arte”.

Ahora yo entiendo que cuando ves cosas como un tiburón en una pecera llena de formol, y te lo quieren meter como arte porque sí, porque además está respaldado por un gran aparato publicitario y comercial, allí está pasando algo, eso es otra cosa, que puede que algunos lo pretendan justificar con el trabajo de Duchamp, ese es el problema, y de allí viene la reacción de críticos como Avelina Lésper y se entiende, pero también pienso como dice el dicho popular zapatero a su zapato, Duchamp es Duchamp y el señor de los tiburones es otra cosa, allí hay más un aparataje fraudulento de mercado que una experimentación en el campo de la plástica y hay que saber distinguirlo.

Yo soy de una postura más abierta pero firme, en cuanto a que los artistas deben ser formados y estimulados para que sean creadores y que experimenten, pero como decía el gran artista venezolano Alejandro Otero, “el arte puede ser muchas cosas, no cualquier cosa”.

MC: ¿cómo ves actualmente el mercado asiático? ¿Crees que China es la nueva cuna del arte a nivel mundial?

FG: Mira la verdad no estoy muy empapado con el tema del mercado asiático, lo que sí es evidente es que son unos monstruos, algo gigante, de hecho te puedo asegurar que es otro mundo, Asia en general es otro mundo, con sus propias reglas, se pagan y se dan el vuelto, son otro punto de referencia, no sólo China, los rusos y todo el mundo de los países de la ex Unión Soviética, Ucrania, son mercados que se vinculan con algunos sectores del mundo europeo, porque también  entiendo que está el tema del idioma, lo cual es una barrera. Por otro lado está Singapur que tiene un mercado pequeño pero muy poderoso con vínculos en Europa, Estados Unidos y algunos países latinoamericanos, algo que me viene llamando la atención desde hace rato, sobre todo porque Singapur siendo un país tan chico, sin embargo son una de las economías más fuertes y poderosas de Asia.

MC: A menudo se pagan cifras astronómicas por obras de arte que al final se exponen en museos importantes. A veces son de artistas que ya no están, otras veces de artistas vivos, algunos grandes profesionales, otros de calidad más dudosa. Aún y así, cuando hablas con la mayoría de personas, sean de la edad que sean, a menudo enfocan al propósito de la fama y del dinero más que a la calidad de la obra, lo cual también contribuye a confundir a los artistas que empiezan. ¿Es que no hay nada que ayude un poco a despejar tanto humo en nuestro sector?

FG: Vuelvo al punto de origen, a la postura del creador, ante la postura del hacedor. Hace poco entrevisté a María Dávila una tasadora profesional, radicada en Madrid, y le pregunté algo muy parecido, pero en relación con las subastas, y ella me respondió que las casas de subastas son referencias en los precios de las obras, no algo determinante. Eso me llevó a pensar que lo que realmente hace falta es educación al respecto, y ese es uno de los pilares de Arte para la Vida, formar a los profesionales del mundo del arte en muchos temas, de los que poco se conoce pero son fundamentales, como los mitos en torno al mercado del arte, la importancia de la calidad de una obra de arte para que pueda ser considerada como tal, la importancia de que el artista esté comprometido con sus investigaciones, que se enfoque en principio en desarrollar su código subyacente, y por supuesto tocar temas vitales como el uso de las nuevas tecnologías, la importancia de un buen sitio web y tantos otros que a lo largo del tiempo iremos desarrollando, para el beneficio de la gente del mundo del arte.

Miquel te gradezco mucho el que me hayas dado este espacio para conversar sobre estos temas, sobre todo para divulgar la labor desarrollada desde Arte para la Vida, te deseo mucha felicidad y éxito.

“Uno de los pilares de Arte para la Vida es formar a los profesionales del mundo del arte en temas fundamentales como los mitos en torno al mercado del arte, la importancia de la calidad de una obra de arte para que pueda ser considerada como tal, la importancia de que el artista esté comprometido con sus investigaciones, y por supuesto tocar temas vitales como el uso de las nuevas tecnologías, la importancia de un buen sitio web y tantos otros que a lo largo del tiempo iremos desarrollando, para el beneficio de la gente del mundo del arte.