Entrevistas

Entrevista a Ramón S. Viñas, creador de Objetivo Arte

Nacido en Montesquiu (Barcelona) y dedicado al arte como escultor durante 30 años, Ramón S. Viñas dirigió una galería y trabajó en prensa como periodista y dibujante durante una década.

Desde hace unos años gestiona la plataforma Objetivo Arte, dedicada a ayudar a los artistas a vivir de su vocación ofreciéndoles todo tipo de recursos y conocimientos, la gran mayoría de ellos gratuitos y a la vez desconocidos para cualquier artista que está en sus primeros años abriéndose camino en el mercado.

 

Miquel Cazaña: Ramón, cuéntanos un poco sobre ti y tu recorrido artístico. ¿Cómo fueron tus inicios?

Ramón S. Viñas: Mi formación fue en el campo de las Artes Plásticas y la Publicidad.Me inicié profesionalmente como dibujante y como diagramador de periódico, realizando la mayor parte de esta actividad en la prensa tinerfeña, aunque también en algunos medios peninsulares.
Durante varios años también trabajé como redactor, principalmente de temas culturales.
Dirigí una galería de arte y me entusiasme con la escultura al asistir a un taller de modelado.
A partir de ahí, cambió mi vida. A los 35 años dejé el periódico y la galería. Me trasladé a Granada y durante 30 años he vivido exclusivamente de, por y para la escultura.

M.C. ¿Por qué rama artística te has movido? ¿Dónde podemos ver tus trabajos?

R.V. Desde una libre interpretación, siempre he trabajado dentro del campo figurativo.
En lo que se refiere a la obra personal, en mi trabajo escultórico ha estado presente la preocupación por lo estético y por una conceptualidad etérea del ser humano.
Al principio, mostraba mi trabajo a través de exposiciones en galerias de arte e instituciones. En los últimos 20 años, he trabajado exclusivamente por encargo.
Mi obra figura en colecciones privadas, iglesias y espacios públicos.

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M.C. ¿Y en cuánto a tu labor cómo galerista? ¿Cómo decidiste dar este salto?

R.V.  En la década de los ochenta, me ocupé en prensa de una sección semanal dedicada a exposiciones y artistas y diariamente de temas culturales.
Paralelamente a estas actividades, se me ofreció regentar la galería de arte “Círculo XII”, de Santa Cruz de Tenerife. Durante seis años me ocupé de dirigir esta galería, en la que se expuso una amplia programación de artistas isleños y peninsulares, creando una estrecha vinculación con varios miembros de la Agrupación de Acuarelistas de Cataluña por la relevancia que tenía esta modalidad artística en las islas. La programación de la galería se alternaba a lo largo del curso con exposiciones de diferentes tendencias, con la finalidad de mostrar al público el mayor número posible de expresiones artísticas.  

 

M.C. Y, finalmente, te encontramos en Objetivo Arte, una magnífica plataforma en la que se deduce estar leyendo a alguien con mucho bagaje a sus espaldas en el mundo del arte. ¿Este proyecto surgió de tu experiencia como galerista? ¿Qué te llevó a ayudar a otros artistas a emprender este camino?

R.V.  Siempre he tenido vigente mi inquietud por el periodismo cultural y desde el año 1998 que empecé con un portal de arte ( Gestión de Arte, posteriormente Arte y Mercado) he tenido presencia en internet divulgando el microambiente del arte, bien sea desde la estructura de mercado o desde la perspectiva del artista.

Como son temas que me apasionan y me he ocupado durante años de que estuvieran presente en mi vida profesional,  en Objetivo Arte hablo principalmente de cuáles son las oportunidades para lograr vivir del arte, de los inconvenientes que hay que superar, de la relación que existe entre el artista y la sociedad, de las trabas que se pone uno mismo y  de las que se encuentra al decidirse a ser autónomo, de la relación del artista con la Administración,  también de las posibilidades de la venta online y del blogging en general.

Escribo en el blog porque me gusta compartir y si lo que cuento puede ayudar a alguien en su trayectoria artística me satisface. Son años de experiencia de tener que ingeniárselas para poder vivir exclusivamente del arte y lo cuento en Objetivo Arte, aunque puede que no sea aceptado por todo el mundo. Sin embargo, en algún  momento, son situaciones por las que hay que pasar o actitudes que hay que adoptar para salir adelante.

Me gusta interactuar conociendo la opinión de otros compañeros y el blog me lo permite.


M.C.
  Leyendo Objetivo Arte, uno de los aspectos que se remontan a menudo y en los que me he sentido más identificado es en de la búsqueda de la libertad y de vivir la vida que deseas, y no la que te dicta tu entorno o la que se espera de ti. ¿Hasta qué punto te recompensó lanzarte al arte y seguir lo que te guiaba el corazón? ¿Alguna vez piensas cómo habría sido todo si hubieras continuado en ese trabajo aburrido hasta hoy?

R.V. Todo tiene su precio. En su momento cambié la estabilidad y seguridad profesional que tenía por algo incierto que era dedicarme por completo a la escultura. Una familia dependía de mí y decidí empezar de cero con un trabajo nuevo, en un sitio diferente y con un mercado por hacer. Difícil decisión.

Quería disponer de mi tiempo las veinticuatro horas del día, sin estar sujeto a horarios y tener la libertad de crear. Esta independencia pasa factura y debes saber administrarla porque puedes terminar siendo esclavo de tu propia libertad. Hay gastos fijos a los que hay que hacer frente y tienes una responsabilidad por un trabajo con ingresos inestables. Un mes te va bien y el próximo fatal. Debes saber administrar muy bien los tiempos y los recursos.

Para vivir del arte debes tantear todas las posibilidades que el mercado te ofrece con la fórmula “prueba-error” e ir ajustando la experiencia. No hay que tenerle miedo al fracaso, porque de los peores errores se han creado éxitos indiscutibles.

Con mi trabajo como escultor he tenido muchas satisfacciones, tanto a nivel artístico como personal. De nada sirve pensar como me habría ido de continuar con el trabajo que tenía. Tomé hace treinta años una decisión y lo hice con todas las consecuencias. Ahora, con la perspectiva de los años, puedo decir que no me ha ido mal.

Se me pasan los días sin darme cuenta. Disfruto con lo que hago y cada día me veo inmerso en nuevas ideas y proyectos que me ilusionan como al principio.

 

M.C.  Otra cosa que me gusta mucho de Objetivo arte es la voluntad por no dejar flecos sueltos y abordar temas tan variados como los miedos que nos esperan al empezar, los intermediarios en el mercado, la venta online, las formas de exponer, el hacer un blog o el material indispensable que uno debe tener. ¿Qué es en lo que a ti te parece que hay que dar más prioridad o qué es lo que fue más determinante abordar en tu camino?

R.V. Los principios no son fáciles. Tuve que trabajar tanto en el taller como promocionando mi obra, hasta que conseguí un hueco en el mercado y logré una clientela, más o menos, estable.

Es muy importante ser perseverante y confiar en lo que haces. El trabajo bien hecho es la mejor garantía para tener éxito. El camino está lleno de obstáculos. Dedicarte plenamente a tu carrera artística requiere de autoestima, constancia y determinación para conseguir el objetivo que te hayas propuesto.

Debes tantear todas las posibilidades que el mercado te ofrece con la fórmula “prueba-error” e ir ajustando la experiencia. No hay que tenerle miedo al fracaso, porque de los peores errores se han creado éxitos indiscutibles.

La finalidad es poder vivir de tu creatividad sin sobresaltos. Hay que estudiar las posibilidades de mercado y descubrir que es lo que uno puede ofrecer para marcar la diferencia o para lo que realmente está dotado, en base a una técnica, temática, formato o nicho de mercado.

 

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M.C.  Es curioso porque, leyendo Objetivo Arte, veo que se le da cierta importancia a exponer en galerías pero a la vez todo va dirigido a que el artista desarrolle por su cuenta todas las habilidades que antes hacia el galerista. ¿El galerista como único promotor y sustento del artista ha desaparecido del todo?

R.V. El mercado de arte está cambiando. Las galerías de arte ya no tienen el volumen de negocio y el protagonismo que ostentaban hasta ahora. Sin embargo, para el artista, la relación con las galerías sigue siendo necesaria para que pueda canalizar a través de ellas la difusión de su obra. Regulan el mercado y dan credibilidad al artista, promocionando, difundiendo y comercializando su obra.

Por otra parte, el artista tiene hoy en día a su alcance unas posibilidades inmensas que le ofrecen las nuevas tecnologías. Internet significa un escaparate para su trabajo a nivel global disponible las veinticuatro horas del día. Debe saber aprovechar esta oportunidad porque le permite difundir y vender su obra directamente en un mercado online sin fronteras. Asimismo, el artista que utiliza las nuevas tecnologías depende menos de los canales tradicionales de comercialización y, cada vez más, promueve su trabajo y afianza su marca personal en un circuito más amplio.

 

M.C. En todos estos años habrás visto cambiar mucho el mundo del arte. Sin embargo, hoy día todavía esperamos que las respuestas y las oportunidades vengan de fuera cuando en realidad nosotros tenemos que ser un motor que impulsa el exterior con sus propuestas. ¿Te parece que ese es un asunto generacional que va cambiando con los jóvenes, o ves que los nuevos artistas todavía esperan un marchante que les proporcione contactos y les conduzca al éxito?

R.V. Lo ideal seria poderse dedicar por completo a crear y dejar que otros se ocuparan de la comercialización de la obra. No siempre se consigue. El artista emergente debe saber como desdoblarse entre artista y empresario. Debe tener en cuenta los contextos en los que se desarrolla el arte actualmente y los cambios que se están produciendo en las estructuras del mercado, producción, promoción y difusión.

El mundo del arte está cambiando, tanto en su estructura comercial como en la aparición de nuevas modalidades artísticas, y el rol del artista ahora es otro al que tradicionalmente conocíamos.

El artista tiene que ganarse la vida dignamente con su trabajo igual que los profesionales autónomos de otras especialidades y ello significa tener que actuar también empresarialmente.

 

M.C. Qué podemos esperar en el horizonte de Objetivo Arte. ¿Qué nuevos retos te esperan, Ramón?

R.V. Igual que los miedos son muchos y hay que afrontarlos para superarlos, las dudas que se le presentan a cualquier creativo son constantes y hay que resolverlas. Hablando de ellas y compartiendo experiencias podemos ayudar a otros artistas. El capítulo de la comercialización es el que más interés despierta y en Objetivo Arte me ocupo de aportar información desde diversos enfoques.

Ayudando a los demás, se ayuda uno mismo. Mi reto actual es seguir haciendo lo que me gusta. Disfruto escribiendo en el blog y trabajando en el taller. Si el contenido de Objetivo Arte sirve de ayuda o de orientación profesional a otros compañeros es una satisfacción para mí escribir cada día. Entrar en el taller cada mañana es encontrarse con la ilusión de lo que un día fue un sueño y hoy es una realidad: vivir dignamente del arte.

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Artículos sobre arte

¿Cómo gestionar tus finanzas para vivir del arte? Quinta parte: múltiples fuentes de ingresos

5. Múltiples fuentes de ingresos

Si algo he ido aprendiendo con el tiempo es que es mejor cobrar con frecuencia importes variados que un importe grande de uvas a peras. Por ello, y siguiendo con el punto cuatro en el que hemos hablado de la inversión, creo que es muy importante diversificar lo máximo posible los contactos/clientes/fuentes de ingresos. Eso quiere decir que no me centraría en vender solamente a pie de exposición, a mis contactos u a través de galerías online, si no que buscaría todas las maneras que hay hoy día para atraer a nuevos potenciales interesados en mi trabajo y que puedan adquirir mis creaciones de las maneras y formas más variadas posible.

Y es que más allá de la expansión continua a través de contactos, hay maneras de ampliar las fuentes de ingresos. Son maneras en las que no tendremos que invertir dinero si no tiempo, y con ello podremos generar lo que se denominan ingresos pasivos o recurrentes:

  • Ingresos por derechos de imagen o de reproducción. Por ejemplo en las galerías online de gadgets en las que podemos aplicar nuestros diseños. Hay muchas webs en esta línea y funcionan: cafepress, zazzle, fineartamerica, latostadora, shutterfly, society6, redbubble. Así como otras únicamente de láminas, como allposters.
  • En esta línea, también hay variantes que van en esta dirección y que nos pueden ayudar a saciar nuestras inquietudes artísticas en todas sus formas. Por ejemplo, si nos gusta la fotografia y tenemos material, hay webs como pixabay, un inmenso banco de imágenes gratuitas, con muchos artistas que ofrecen su trabajo y con muchos usuarios que necesitan fotos para configurar sus artículos, sus presentaciones, sus revistas… Una vez descargas una foto, estás invitado a realizar una donación si quieres. No cuesta nada pagar uno o varios euros por una foto que te va a hacer un servicio. Yo lo uso a menudo y los artistas de los que cojo fotos me escriben a veces para darme las gracias. Imagina qué sucede si tienen muchos artículos y muy frecuentemente tienen descargas y donaciones. Ah, en esta web también he visto ilustraciones.
  • Ingresos por la venta de conocimientos a través de libros o de manuales técnicos. No hace falta imprimirlos en papel, los podemos vender como e-books y así vemos si funciona sin tener que imprimirlo e incluso los presentamos a modo de prueba/error (si más tarde se imprimen podemos ajustar todo lo mejorable). Por ejemplo, a mí me gusta mucho la restauración y mi madre es decoradora. Tengo algunos materiales sobre este asunto y quien sabe si en un tiempo preparo un manual práctico para otros y lo ofrezco a un precio asequible. Estamos en la era de la información, del “Know how”, eso significa que es probable que tú, como profesional en un campo concreto, tienes conocimientos que a otros les puedan interesar.
    Yo  por ejemplo he estado mucho tiempo buscando libros de pintura que hablen concretamente sobre las diversas técnicas que se usan en arte contemporáneo. También suelo mirar información sobre como hacer tus propios marcos y conseguir un acabado profesional. Así que yo sería un potencial comprador de ebooks en esta línea.
  • Publicidad en youtube. En la misma línea de la venta de conocimientos a través de libros, si abrimos un canal de youtube explicando nuestros procesos pictóricos seguro que en no mucho tiempo tendremos unas cuantas visitas. En la medida en que ayudemos a los demás a solucionar sus problemas veremos como sube la atención hacia nuestro canal. A partir de 10.000 visitas, podemos decidir poner anuncios en nuestros videos y cobrar un pequeño porcentaje cada vez que los usuarios entren en ellos.

Son solo algunas de las muchas ideas de micronegocios que pueden aliviar nuestra economía y quien sabe si ser la semilla de algo que se hará muy grande con el tiempo. Incluso, por qué no, pueden ser pasos que a la larga nos permitan cobrar el dinero base que necesitamos para el día a día. La gente que mueve mucha cantidad de dinero lo hace todo así, a base de activos que les rentan dinero por todas partes, y eso es algo que a los artistas nos viene genial. Solo es cuestión de adecuación y de constancia. De pensar en situaciones, productos e ideas en las que todos ganen. Que ganes tú como artista y como persona que se siente feliz por ayudar a los demás, que gane la plataforma que impulsa tu producto y que gane la persona que se beneficia con tu producto artístico o con tu conocimiento. Es una manera de hacer más completo tu negocio y a la vez de facilitar el camino de bajada en tu economía.

Y con este capítulo cerramos el ciclo de cinco artículos sobre economía para vivir del arte. Espero que te hayan parecido interesantes estos artículos y haberte podido ayudar.

Al final, las claves están más que estudiadas y son sencillas. Congeniar lo que a uno más le gusta con lo que a los potenciales compradores más les atrae, controlar el gasto y dejar de ser deudor compulsivo para ser una fuente de ideas y de recursos en constante expresión que tiene multitud de ideas de calidad por ofrecer a los demás y, como consecuencia, vive tranquilo económicamente.

mountains-1645465_1280Fuente: Pixabay

 

Artículos sobre arte

¿Cómo gestionar tus finanzas para vivir del arte? Segunda parte: Implementar el ahorro

2. Implementar el ahorro

En el artículo anterior hablamos de las tablas de Excel en las que anotaremos los ingresos y los gastos de cada mes. Con lo cuál a final de año podemos hacer estadísticas con gráficos y ver en qué se consume más y en qué menos, cuál es la media de gasto en cada sección y miles de cosas más, y ver así en qué aspectos podemos introducir cambios.

De todas formas, para revertir la precariedad económica o, si más no, la sugestión o el sufrimiento por el tema económico, la otra acción más recomendable que se puede llevar a cabo desde el principio es el ahorro.

Si os fijáis, cuando no tenemos nada en nuestra cuenta corriente o tenemos lo justo para salir del paso, la preocupación y la consiguiente sensación de estar con el agua al cuello suele ser trending topic en nuestro coco. Si no es así, ya tenemos mucho ganado para ser emprendedores porque querrá decir que tenemos una alta tolerancia al riesgo. Si por el contrario nos preocupa y nos angustia ir con lo puesto y no saber de dónde saldrá nuestro próximo euro, es porque la indicación que en realidad le mandamos a nuestra mente al ir al cajero o al pagar cualquier cosa es que de eso (dinero) hay lo justo justito.

Cuando no tenemos nada en nuestra cuenta corriente o tenemos lo justo para salir del paso, la preocupación por vivir bajo un puente suele ser trending topic en nuestra cabeza. Y eso nos agota mental y físicamente 

La clave creo que prácticamente todo el mundo la puede poner en práctica, y se trata de guardar un tanto por ciento de cada ingreso que recibamos. Habitualmente se recomienda guardar un 10% de todo lo que entre. Cobro 400 euros, guardo 40. Cobro 200, guardo 20. Cobro 1400, guardo 140. Y así siempre y sistemáticamente. Se puede guardar en otra cuenta exclusiva para el ahorro, o se puede guardar en otros lugares, o repartido. Pero debe ser un dinero para ir creando un excedente o un fondo de tranquilidad que no se tocará bajo ningún concepto salvo una emergencia de primera necesidad. En este sentido, hay quien recomienda que el colchón sirva para poder vivir sin trabajar seis meses, otros un año, otros dos años. Por eso, al principio, si uno combina un trabajo artístico freelance con otro que ni le va ni le viene (o directamente hace a disgusto), lo más lógico es que si puede guarde muchísimo más de un 10%, porque el tiempo que consumes en ese otro trabajo ya no volverá, así que por lo menos si guardas un porcentaje alto de lo que te paguen, será sustento que dejará de preocuparte después.

 

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Fuente: Pixabay

 

A la larga, la sensación de urgencia va desapareciendo porque hemos creado un excedente de dinero, que al final es de lo que se trata. Ya seas empleado o freelance, no irás buscando trabajos o intentando vender tus cuadros de la misma forma si tienes 300 euros en el banco que si tienes 10.000, 20.000 o 50.000. En el primer caso, la sensación de urgencia estará muy presente y eso puede hacer sin duda que pierdas de vista que lo importante son las necesidades e inquietudes de tu cliente, no las tuyas.

¿Qué no se puede ahorrar un 10%? Pues un 5%. Realmente es más importante el hábito que la cantidad en sí.

Es verdad que en una situación con hijos, hipoteca a 40 años y 50 gastos más, cualquiera habla de ahorrar, pero creo firmemente que en cualquier caso todo esto es posible, que solo es una cuestión de voluntad  y de hábitos. Hábito de hacer las cuentas mensuales y repasar donde falta inversión y donde hay despilfarro, hábito de guardar a buen recaudo una parte de lo que se cobre, y algunos hábitos más que iremos viendo en estos capítulos dedicados a finanzas.

Al final, más allá de los sistemas y de los hábitos, lo más importante estés en la situación que estés es escucharte a ti mismo y atender aquello que tu alma te reclama que hagas. Siempre puedes dedicar un tiempo al arte o a cualquier otra actividad o don que tengas, aquello que tanto te llena y que ahora está en el baúl de los recuerdos. Así como también creo sinceramente que cualquiera puede dedicar un poco de tiempo a estudiar su economía y estudiar también variables que aplicar para disponer de más tiempo y dedicarlo a su pasión.

Con el dinero ganas tiempo puesto que no necesitas consumir tiempo trabajando en otra cosa que te gusta mucho menos. Y el tiempo es oro, como decía aquél programa de tv, puesto que teniendo tiempo puedes seguir pintando y avanzar. Recordemos aquello que se dice de que se necesitan unas 10.000 horas o 7 años de experiencia para desarrollarse como profesional en cualquier campo.

Con el dinero ganas tiempo puesto que no necesitas consumir tiempo trabajando en otra cosa que te gusta mucho menos.

En cualquier caso, seas artista o no, si tienes menos de 55 años el ahorro te va a venir fenomenal para cualquier emergencia o incluso para retirarte. En muy pocos años (y ya ahora), y como consecuencia de ser el segundo país más envejecido del mundo después de Japón, en España habrá mucha gente jubilada y poca gente cotizando, y entre eso y que la hucha de las pensiones está temblando a causa de la mala gestión que se ha hecho de la misma, no se augura un futuro muy prometedor a los de mi generación (1980), así como a los anteriores o a los posteriores. No digo que no haya que apostar por este sistema, ni dejar de luchar por él introduciendo las mejoras necesarias, todo lo contrario. Pero sí creo que podemos mirar hacia el negocio que tenemos entre manos y ver de qué opciones complementarias disponemos a partir de nuestra mente y de nuestra imaginación. A partir del capítulo siguiente llegan algunas variables (las que he aprendido o descubierto hasta la fecha) que nos pueden ayudar a avanzar más deprisa.

Artículos sobre arte

“Esto no tiene salida profesional”

—¿Esto no tiene salida profesional? 

Hemos de partir de la base de que, si son los padres los que afirman eso, los padres siempre quieren lo mejor para sus hijos. Tenemos que ponernos en su piel y entender su punto de vista: Piensan que vamos a sufrir y no desean que suframos. Valoran la seguridad y la estabilidad por encima de la libertad. En la gran mayoría de casos no han tenido experiencia en el mundo del arte y en la mayoría de casos no son autónomos o emprendedores. Con lo cual, su sufrimiento es doble.
Para ellos lo normal o por lo menos lo mejor para evitar problemas es trabajar para alguien y cobrar un sueldo mensualmente. Su tranquilidad pasa por esta especie de línea de vida, por esta estabilidad mental que nos proporciona a todos el hecho de saber que estamos acogidos por algo grande que nos proporciona una continuidad de ingresos en el tiempo. Ya que, como sabemos, todavía aún está en el aire aquello de que los trabajos son “para toda la vida” (¿dónde está el botón de las risas enlatadas?). Que el mes que viene seguiré trabajando para esa empresa o para esa persona y eso me continuará asegurando ni que sea un mínimo de holgura económica.

Todo lo que no sea vivir esta situación de asalariado es habitualmente un sufrimiento para nuestros padres y para todas las personas que, desde su punto de vista, se preocupan de verdad por nosotros.

En la mayoría de casos nunca lo harán por fastidiarnos y lo mejor es no ponerse de culo con estas situaciones, sino procurar verlas desde el fondo e intentando comprender al otro. Más allá de la falta de confianza que proyectan en nuestro proyecto, hay una serie de ideas de no saber ellos cómo llevarlo a cabo y una falta de conocimiento del mercado y de cómo cultivarlo. Así que no debemos dejarnos arrastrar por esas corrientes. Tendremos que estar muy sólidos y basarnos en hechos; los ingresos que hay al principio, por escasos o esporádicos que sean, nos demuestrarán a nosotros mismos (somos los únicos a los que tenemos que demostrarnos las cosas) que sí que lo podemos lograr.

Incluso, a parte de familiares, amigos y conocidos, deberemos ir con cuidado con otros profesionales o semiprofesionales del sector, ya sean pintores, galeristas u otros. Y no hacer caso de los consejos de aquél que no lo ha conseguido y va con la moral por los suelos y tirando jarras de agua fría a los optimistas o a los que comienzan (no sé qué es peor), y que te dice: “¿Todavía pintas?”, “Es muy difícil vivir de la pintura”, “No se vende nada”. Esos mantras son muy relativos y pueden chocar con la realidad de muchas personas. El que dice eso quiere encontrar a otras personas que le digan que también están fracasando. El consuelo colectivo es mejor para ellos que vivir su desgracia en soledad.
Si nos dedicamos a aprender a vender nuestro trabajo, a desarrollar una trayectoria y a conocer a mucha gente,  nuestra realidad no tendrá nada que ver con toda esa negatividad. No necesitamos a nadie que nos transporte su nube negra de negatividad y frustración que no nos llevará a ningún lugar.

¿Debemos hacer caso de las proyecciones de aquél que no lo ha conseguido? En todo caso, mejor escuchar a los que van con la moral alta, sean de nuestro sector o de otros, que han trabajado un mercado y que sí han conseguido muchas ventas. Hay que rodearse de gente optimista que tiene actitudes prósperas y, en concecuencia, vidas prósperas.

—¿Todavía pintas? Es muy difícil vivir de la pintura, no se vende nada.
—Oye, gracias. Me alegras el día con tus ánimos. Suerte que yo no ando por ahí alimentando estos pensamientos. Supongo que por eso mi realidad es distinta.

Para nosotros este sufrimiento temporal que hay al principio por no tener muchos ingresos es mucho más que asumible si lo comparamos con el gozo que produce vivir esta expresión artística sin freno.

Un mantra muy común que escuchaba a menudo desde distintas personas de mi entorno era si “había valorado la posibilidad de ser profesor de dibujo o de pintura”. Y la verdad es que nunca valoré en serio esa opción, aunque he dado algunos cursos de manera esporádica. Yo diría que no todos los profesores de arte tienen madera de profesores. La docencia es un campo que requiere una preparación y una llamada interior concreta. Si uno se mete a dar clases sin una experiencia sólida en el mercado artístico lo que transmitirá serán sus propias limitaciones a los alumnos. Ya lo viví varias veces como alumno y no me gustó. Algún profesor incluso lo dijo: “yo soy un ilustrador frustrado”. Fantástico, podemos esperar técnica pero no optimismo ni directrices para movernos por el mercado, algo básico e importante en nuestro sector y que, sin embargo, no se enseña en las escuelas.

Si nuestro sueño nos importa por encima de todo, no nos quedará otra que reforzarlo y acorazarlo hasta que tenga  su propia vida y vaya forjando  su propia historia. Somos personas libres y en última instancia deberemos escuchar nuestra alma para saber cuál es nuestra misión en la vida. Si hemos nacido para ser artistas es absurdo que nos dediquemos a otras cosas que no son en el mundo del arte.

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Ilustración digital del Monasterio de Oseira, en Ourense. Un lugar absolutamente inspirador, idóneo para encontrarse a uno mismo y aclarar cuál es la misión que uno ha venido a hacer en esta vida.

El potencial artístico se desarrollará en la medida en que le otorguemos espacio y tiempo para expresarse. Nuestras aptitudes artísticas son como una semilla que necesita máxima atención y cuidado para crecer y convertirse en un hermoso y robusto árbol. Si no priorizamos el desarrollo de estas aptitudes artísticas difícilmente veremos mejoras y difícilmente veremos resultados.

Nuestras aptitudes artísticas son como una semilla que necesita máxima atención y cuidado para crecer y convertirse en un hermoso y robusto árbol.

Así que debemos vivir en bloque con nuestro propósito. No hay que luchar en contra de nada ni de nadie si no a favor de algo creativo y luminoso que tiene su función en la sociedad.
Cuánta más unidad interior vivamos nosotros con nuestro propósito más nos respetarán los demás, aunque no conozcan nuestro mundo o nuestro propósito captarán esta unidad interior y no podrán reflejar en nosotros sus inseguridades.

Entrevistas

Entrevista de Laura Cornadó a Miquel Cazaña: Primera Parte

Hace un año me entrevistó desde Catalunya la estudiante de Bachillerato Laura Cornadó a raíz de su trabajo de final de ciclo en el que, con la simple curiosidad del que quiere aprender más sobre algo (en este caso, de arte), entrevistó a 22 artistas. Su trabajo ha sido presentado hace pocas semanas y se titula ARTISTA. Espero que antes o después lo publique o se publique en algún lugar porque desde luego es un trabajo coral en el que podemos escuchar muchas voces distintas con experiencias distintas pero que al final dan un testimonio necesario y fresco sobre el sector. Allá va la primera parte de la entrevista que me hizo a mí:

  • Cómo fueron tus inicios en el mundo artístico?

    Mira, ahora mismo estoy empezando un blog en el que voy escribiendo toda esta experiencia para cualquier persona a la que le pueda servir, ya que pienso que es una cosa muy interesante y necesito ir escribiéndolo y ver si hay personas a las que les pueda interesar o ayudar.

    Realmente el mundo del arte está lleno de ideas, de tópicos, de humo… Y a medida que vas trabajando te vas dando cuenta de cuanto antes te saques todo esto de encima, antes podrás avanzar y hacer un camino normal, sin ideas, sin tópicos, sin frustraciones. Simplemente ir trabajando e ir contactando con la gente.

    Respecto a mis inicios, fueron por un lado con mucha emoción por todo lo que tenía ganas de transmitir y de demostrar, y por otro lado pues con cierta tensión, de nervios y de miedos también. Pero vaya, yo creo que cualquier persona que tenga talento y perseverancia puede dedicarse al arte.

  • ¿Cómo reaccionaron en casa cuando les dijiste que querías dedicarte al mundo del arte?

    Primero de todo tenemos que tener en cuenta que nuestros padres, los padres de los que queremos ser artistas, la mayoría de veces no tienen facilidad artística o no tienen esta inquietud profunda por expresarse e intentar ganarse la vida haciéndolo. Tampoco nadie nos enseña a tener un negocio propio. Lo vas haciendo por tu cuenta y riesgo. Pero es algo que por lo general da un pavor enorme. Más del 90% de las personas prefiere trabajar para otro y tener lo que parece un “sueldo fijo”.

    A partir de aquí, no podemos intentar depender ni apoyarnos especialmente en nuestra familia, si no que tenemos que intentar encontrar gente que nos comprenda, que haya vivido este camino y nos pueda dar consejos experimentados, que nos pueda ayudar de manera honesta.

    A pesar de todo, cuando empezamos con 18, 22, 25 años, lo que queremos es convencer a la gente con la decisión de nuestro estilo de vida y eso es lo más difícil y probablemente lo más absurdo. La gente tiene sus ideas establecidas y en general la gente sufre por ti y por tu porvenir. Lo que la mayoría quiere está preestablecido: entrar en un trabajo y tener un sueldo fijo. Entonces, cuando tú dices que lo que quieres es empezar una aventura particular porque te gusta mucho pintar, lo que suele pasar es que te miran como diciendo: “¿De verdad?”, y sin conocer lo más mínimo tu oficio te dicen que dedicarse al mundo del arte es muy inseguro, muy difícil… En la mayoría de los casos lo mejor es dar a esta respuesta relativa una importancia relativa. O, mejor aún, no intentar convencer a nadie de nada.

    Lo más importante es que aquellos que quieren ser artistas vayan hasta el final con este propósito, teniéndolo interiormente cristalino y estando sólidos como una roca

  • ¿Cómo crees que se considera al artista actualmente?

    Pienso que el artista se va labrando con los años y que el público, en gran medida, responde a lo que él les ofrece. Esto pasa con el mundo del arte y con el resto de profesiones. Por ejemplo un científico recibirá lo mismo que él haya aportado a la ciencia. De esta manera, pienso que como artista es importante poder ofrecer cierta educación y formación, ofrecer claramente tu punto de vista y tu aportación personal, hoy en dia sobre todo mediante las redes sociales, para ir labrando una necesidad en tu público, que quizá en un primer momento no tienen demasiado claro lo que es el arte o para qué sirve, y así tienen la oportunidad de conocerlo de cerca y de saber más.

    Así pues, lo que hace falta es ir labrando y dando forma a la idea borrosa que la gente tiene del arte.

  • ¿Recibir una remuneración económica es un requisito para considerarse artista?

    Yo creo que sí. Aunque mucha gente te dirá que no, que ha habido artistas muy sólidos con una carrera fulgurante que han plasmado su gran talento sin recibir ingresos. Durante algunos años, conseguir vivir del arte, hacer mi jornada teniéndolo como fuente de ingresos principal, fue mi lucha.

  • Respecto a los artistas que consiguen vivir del arte, podríamos decir que la creación artística se convierte en su trabajo. ¿Es un trabajo a tiempo completo, de 24 horas, o es un trabajo de 8 horas?

    Sí, es un trabajo de 24 horas, ya que al menos a mí me resulta imposible desconectar. Por ejemplo, cuando paseo con mi chica o con otras personas, voy con una libreta de apuntes o bien haciendo fotografías con el móvil, ya que muchas veces ves cosas que te inspiran y necesitas captarlas de alguna manera más allá de la memoria.

    Así pues, creo que es un trabajo de 24 horas por más que la jornada sea de 8. Además, lo mejor de hacer una cosa que te llena de verdad es que no te importa dedicar más tiempo, al contrario, ya que hay un punto en el que deja de ser un trabajo para convertirse en una forma de vida. Incluso te apasiona tanto lo que haces que a veces cuesta encontrar el equilibrio entre trabajar y hacer otras cosas, como estar con la familia o hacer otras actividades que son buenas para tu equilibrio personal. Ir al cine, estar con amigos…

  • ¿Exponer es un requisito para considerarse artista?

    Creo que ahora mismo el concepto de exposición es muy amplio. Podríamos considerar que expone aquél que publica en Facebook, o que cuelga obras en una galería de arte en línea, o incluso, y pienso que el futuro irá cada vez más en esta dirección, podríamos considerar exposición el hecho de compartir a través de whatsapp los cuadros.

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    Presentando la exposición “Destellos” En Civivox Mendillorri de Pamplona-Iruña. Junio de 2017.
  • ¿Qué criterios serían necesarios para considerarse artista?

    Creo que no soy nadie para definir eso. Para mí, un artista es aquél que vive del arte, en el sentido de que trabaja profesionalmente como artista y recibe una remuneración a cambio de ofrecer arte que le permite vivir. Aunque después ves algunos sujetos que cobran millones de dólares a sus coleccionistas “exclusivos” y sin embargo hacen obras que creo que no tienen nada de artístico. Por eso te digo, que el arte es un mundo muy nebuloso y lo más importante, como en todos los gremios, es que seamos honestos con nosotros mismos y con los demás para hacer de esta una profesión honesta y próspera.

  • ¿Cuál crees que es el objetivo al que aspira cualquier artista?

    Yo creo que el objetivo último tiene que ser poder desarrollarse completamente como artista, desarrollando todo el potencial hasta el punto máximo, ese que yo no conozco porque no he llegado al final en absoluto.
    Pienso que el objetivo es desarrollarse poco a poco pero sin pausa, viendo que hay diferencias entre una exposición y la anterior. Que con el tiempo son cada vez mejores. Poder ir evolucionando e ir tocando cada vez más la fibra de la gente, que vengan a tus inauguraciones, que se marchen a casa recordando tus cuadros, y sentir que eres útil para los demás.

  • ¿Piensas que la política y el arte están vinculados?

    Pienso que en Catalunya se podría crear una asociación que diera fuerza a los artistas para presionar a los gobiernos y conseguir que se hicieran más infraestructuras para los artistas en activo, ya que faltan.

    Por ejemplo, actualmente surgen muchas propuestas de micromecenaje que reflejan el hecho de que, aunque se hayan retirado muchas de las subvenciones y ayudas, la gente intenta confiar en propuestas alternativas y privadas, para garantizar la salida de algunos proyectos que antes podían ver la luz más fácilmente gracias a las ayudas de las instituciones.

    Lo que más mal sabe es que, tanto aquí en Catalunya como en el resto del territorio español, hay una gran cantidad de artistas con un talento brutal que, a causa de la falta de propuestas de educación, viabilidad o difusión, se tienen que dedicar a otras actividades, dejando de lado el hecho de pintar cuadros, es decir, vivir del arte, como una cosa secundaria.

    Así pues, creo que tenemos que luchar para que el arte tenga mucha más presencia en nuestro país.