Entrevistas

Entrevista de Laura Cornadó a Miquel Cazaña: Segunda parte

  • ¿Se nace artista o un artista se crea con el tiempo?

    Las dos cosas.
    Por un lado, creo que nacer en ciertas condiciones puede favorecer el hecho de crear y de ser artista. En mi caso, por ejemplo, mi abuela era una muy buena pintora que, a pesar de las dificultades que tuvo que encarar por el hecho de ser mujer y también a causa de la sordera, consiguió vivir del arte durante una buena parte de su vida. De esta manera, yo tengo unos genes que facilitan que sea artista.
    Por otro lado, hay que ir labrándose con los años, desde joven, facilitando las circunstancias óptimas para que la planta crezca y se haga fuerte, imposible de tumbar. El hecho de crecer como artista implica dedicar muchas horas teniendo el arte como prioridad principal, trabajando en esta dirección sin pretender que todo vendrá sin esfuerzo.

  • Qué es más importante, ¿la técnica o la idea?

    50 – 50 yo diría. A veces tienes una idea brillante pero no la has sabido desarrollar bien, o al revés, tienes una idea regular pero gracias a la técnica queda muy resultona la propuesta. Yo creo que es muy importante ver que tienes un motivo que te ha inspirado profundamente y que por otro lado ves la manera de poderlo desarrollar.

  • ¿Consideras que la creatividad tiene fecha de caducidad?

    No, en absoluto.
    Creo que los que trabajan en aquello que les gusta no piensan cuánto les queda para jubilarse, ya que lo que hacen es su estímulo principal en la vida y, por lo tanto, si el cuerpo les acompaña, se dedican a ello hasta el final.

    expo-india
    Miquel Cazaña en 2014, en la inauguración de la exposición “Homenaje a la Índia”, en la Fundación Academia de Bellas Artes de Sabadell.
  • ¿Crees que el arte es necesario?

    Por descontado. El arte no solo es necesario sino que es imprescindible.
    Hoy en día vivimos tiempos de bastante violencia y parece que cada uno mira por sí mismo y poco más. Supongo que siempre ha sido así pero ahora parece que cada vez más sea más así (o quizá ahora nos enteramos de todo). Creo que el arte es absolutamente necesario para demostrar que nos pasamos por alto muchos detalles que los artistas mostramos y damos a entender a través de nuestras exposiciones. Por ejemplo, si no fuera porque un artista plasma en un cuadro un árbol, un niño al lado de un río o un rincón de una ciudad de noche, en la mayoría de los casos no nos daríamos cuenta de la enorme belleza que escondía esa situación.
    Así pues, creo que el arte es imprescindible porque nos hacer ver todo aquello que a menudo se nos escapa y que es la esencia de la vida, pura poesía, un canto a la vida que no puede desaparecer ni desaparecerá nunca.

  • ¿Para qué crees que sirve el arte?

    Pienso que esta pregunta va muy ligada a la anterior. Escuchar una orquestra sinfónica o ver como un artista plasma un paisaje nos muestra a personas que canalizan este amor infinito que nos une a todos.Para mí, el arte sirve para plasmar este amor superior que nos engloba a todos en un plano físico en el que todos lo pueden apreciar.

  • ¿Cuál sería un elemento indispensable para un artista?

    Hay varios que son imprescindibles, pero quizá el más necesario de todos para este oficio es la perseverancia.

  • ¿El que copia una obra de arte es un artista?

    Yo personalmente no soy muy fan de copiar, pero soy diseñador gráfico y hace años había hecho algún rediseño de un logotipo ya existente. Era chulo porque, de alguna manera, era como revitalizar la idea inicial.
    En este sentido, aquel que consigue revitalizar la idea original y merjorarla es sin duda un artista. Pero vaya, creo que la pregunta iba más bien hacia el hecho de copiar obras maestras. En tal caso, en la inmensa mayoría de casos falta no se parte de la creatividad propia y además tampoco se supera el original.

  • ¿Me puedes decir un tópico sobre los artistas con el que estés de acuerdo?

    No. No te puedo decir ninguno porque el que más he escuchado es “vosotros sois raros” y no estoy de acuerdo con él. También hay muchos otros, ya no solamente sobre los artistas sino sobre el mundo del arte en general. Creo que se basan en ideas congeladas y que chocan con la realidad en muchas ocasiones.
    Por ejemplo, ese tópico que dice que si no es caro no es bueno. No estoy de acuerdo con él porque pienso que causa que todo el mundo aspire a cobrar una morterada por sus cuadros y a vender muchísimos, de manera que se crea una frustración cuando no es así, y además hace mucho daño tanto a los artistas como a esos que quieren comprar, ya que este tópico da a entender que para ser artista se debe aspirar a ser rico y famoso, mientras que en mi opinión ser artista parte de cualidades más internas que externas. Además, en la obra lo que se debe mirar es la calidad, la cual en muchas ocasiones no va en relación con el precio de cotización.

  • ¿Te ves bien valorado socialmente como artista?

    Sí, la verdad es que si. Ahora mismo me siento muy bien, me siento valorado y reconocido. Creo que este hecho se debe sobre todo al trabajo a conciencia que he hecho, intentando encontrar maneras para llegar a la gente, primero en mi entorno más cercano y después ampliándolo poquito a poco.
    Es muy importante el tema de la comunicación, que a veces dentro de las carreras artísticas queda un poco al margen, ya que es fundamental tener las herramientas adecuadas para llegar a la gente.

  • ¿El arte que haces te representa?

    Sí, porque mi pintura es realista y el realismo es lo que me sale de dentro. Va muy en la línea de lo que hacía mi abuela. Intento representar y continuar todo lo que ella empezó. Intentar hacer otra cosa sería pues una traición al estilo y a todo aquello que llevo en los genes.

  • ¿Te sientes artista?

    Sí. Cuando superas las dudas que tienes en los inicios, lo que queda es alguien que se levanta feliz por las mañanas porque trabaja en lo que le gusta y se siente doblemente reconocido, ya que además cuando presenta su obra ésa es comprendida, gusta y se vende.

Anuncios
Diario de un pintor

Mi experiencia en los concursos de pintura rápida. Tercera parte

Gestionando mejor el tiempo. Alcanzando más nivel de acabado 

Después de terminar 2015 participando en un cuarto concurso de rápida (en el cual salió un cuadro bastante olvidable que tiré a la basura) ya no habría más participaciones hasta 2016.

El 5 de junio de 2016, ya viviendo en Navarra, participé en el concurso de pintura rápida de Lesaka, en el norte de Navarra. Era un concurso de mañana y el pueblo era bien bonito y el ambiente fue genial. Parecía que iba a llover y me resguardé en un lugar cubierto.
Este fue el cuadro que presenté (60 x 80 cms):

lesaka-concurso

A partir de ese momento me di cuenta de que los cuadros que se veían más terminados tenían todos los ángulos y las líneas rectas realizadas con regla, lo cual daba mucha mayor sensación de acabado y de perfección. Era algo que, de haber aplicado a mi cuadro, hubiese tenido más puntos para competir. Otro factor importante es que tenemos que tirar de nuestra imaginación y alterar lo que vemos para añadir nuestro punto de vista. Es decir, si es un día gris o estás pintando toda una superficie de la imagen que de por sí no tiene gran cosa en cuánto a color, lo mejor que puedes hacer es interpretarla a tu manera. Alterar la luz y el color y poner de tu parte para mejorar la imagen a través del cuadro. Eso estoy muy acostumbrado a hacerlo en cuadros de varias sesiones que me miro una y otra vez, pero por sensación de falta de tiempo no lo hacía en los concursos de pintura rápida.

A la semana siguiente me presenté a un concurso en un pueblo de La Rioja con un cuadro que todavía no tengo conmigo ni teno fotografiado. Y al cabo de dos semanas, el 18 de junio, me presenté al de Monteagudo, en el sur de Navarra; En este de Monteagudo se reparten siete premios, que van entre los 3.000 euros el primero y 600 el séptimo. Un concurso de jornada entera, hasta las 18 y entrega de premios a las 20h de la tarde, y realmente fue el primer concurso en el que noté que empezaba a poder presentar un cuadro acabado en un solo día. Quedé bastante contento, aunque al cuadro le faltaba algo de gancho en el color, tenía bastante detalle (60 x 120 cms):

monteagudo

Aunque no quedé entre los siete con premio, quedé seleccionado entre los 25 primeros y el cuadro formó parte de una exposición que se realizó para conmemorar el concurso.

Por último, en septiembre me presenté a otro en Aoiz. Ese día se tenía que dibujar el característico puente romano del pueblo, y había otra vez casi cien pintores. Algunos venidos desde Galícia, otros de tierras manchegas o también algunos de Francia. La razón, o una de las razones, era muy probablemente la cuantía de los premios; 5000 el primero, 3000 el segundo y 2000 el tercero. Aprovechando que Aoiz queda muy cerca de Pamplona, fui un par de días antes para ver el ángulo desde el que pintaría el puente y pensar qué colores iba a usar, ya que, como hemos comentado otras veces, la luz cambia a lo largo de todo el día y es mejor tener clara la idea de lo que vas a pintar para no luchar contra el tiempo, los cambios de luz y de colores. Me encontré con otros pintores estudiando los ángulos también. Pensé que sería muy interesante pintar el puente con colores cálidos y tostados y el agua incluso dorada. También ese día quedé muy contento con el resultado a pesar de que no hubo premio (61 x 116 cms):
Miquel_Cazaña_Aoiz_61x116

Satisfecho conmigo mismo por la evolución y por ver que empezaba a entrar en la línea de hacer cuadros más interesantes y más acabados con posibilidad de competir para premio, me pareció que a pesar de haber participado sólo en cuatro concursos en todo el año, la capacidad de terminar los cuadros en un solo día había mejorado mucho respecto al primer concurso del año anterior, incluso respecto al cuadro de Lesaka que mostraba al principio de este artículo